Cepillo de dientes de Jorge Díaz (Edison Valls)

Os dejamos con la entrevista realizada a Adrián Novella que interpreta el papel de “Él”. Respuestas muy interesantes que esperamos os resulten útiles y curiosas para la profesión. Muchas gracias a Adrián por regalarnos unos minutos contestando a las preguntas, y encima, con tanto gusto, ha sido un placer releer las respuestas.

1. ¿Cuál fue tu primera impresión al leer la obra?

• A:  Me pareció una locura. No paraba de reír.

2. ¿Qué método utilizaste para la creación de personaje (Me refiero, por ejemplo, acciones físicas, sólo texto, animal, canción, etc…?

• A:  Fue difícil porque las indicaciones de dirección fueron que no había personaje. Aunque una vez superado eso el personaje fue saliendo solo.  Las acciones hacían mucho al personaje, eso unido a la idea de tener una mujer mandona hacían que corporalmente fuera un personaje pequeñito.

3. ¿Fue más difícil trabajar un texto del absurdo que una naturalista? ¿Cómo viviste esta experiencia?

• A:  Un texto naturalista siempre es difícil, tiene que resultar verosímil. Un texto del absurdo no tiene por qué resultar verosímil pero el personaje absurdo cree en lo que dice y siente. Eso sí, por norma parece que naturalismo sea algo trágico, un sentimiento duro del interior, eso es siempre dificil. Un personaje del absurdo no siempre es consciente de su sufrimiento. Yo me divierto más con el absurdo, desde luego. Es un juego.

4. ¿Fue especialmente duro el trabajo vocal en algún momento durante la obra?

• A:  El problema de la obra en cuanto a lo vocal, es que sólo son dos personajes y mucho texto, sin parar. No considero que tenga problemas de voz, pero en los momentos más tensos, los de enfado del personaje, en los que tenía que levantar la voz, eran bastante complicados. Sobretodo porque tenía que estar por encima de la música que acompañaba la escena. No lo conseguí solventar. Rascaba bastante en esos momentos. La suerte es que no me hacía daño y cuando pasaba esa escena, volvía a la normalidad.

5. ¿Cómo ha sido el trabajo físico durante la obra? Se os veía muy agotados al terminar.

• A:  La primera vez que hicimos la obra completa, me faltaba el aire. Es un no parar. No hay momento para el descanso. Así que al igual que los atletas, la cosa era coger fondo. Repetir y repetir hasta poder sobrellevar un pase entero, o como el último día, dos funciones seguidas. Aparte de pasar la obra, Cruz  (Cruz Hernández, profesora de interpretacion de la ESADV) nos preparó un calentamiento, que se basaba especialmente en su "danza del viento".  Aparte, nosotros repasábamos antes de empezar las distintas coreografías de la obra para prepararnos físicamente.

6. La propuesta escénica, es, como menos, original. ¿Os suponía esto alguna dificultad, o todo lo contrario?

• A:  El día que Edison nos sacó las naranjas y nos dijo que las pelásemos para envasarlas, no dábamos crédito. Hasta entonces habíamos montado las escenas tal y como el autor proponía: un desayuno de un matrimonio, uno a cada lado de la mesa, leyendo. Claro, eso no funcionaba. Actoralmente no aportaba nada estar sentados y soltar texto. Así que aunque nos parecían autenticas locuras las propuestas nuevas, vimos que teníamos acciones que sujetaban al personaje. Por lo tanto fue menos dificil hacer frente al texto.

7. ¿Os ha llegado a plantar cara el propio texto, debido a su carácter absurdo?

• A: Personalmente me llegó a costar mucho aprendérmelo. No soy de los que se aprenden el texto de memoria el primer día, y que las replicas no tuvieran nada que ver con lo que yo tenía que decir, me confundía mucho.

8. Particularmente este montaje, ¿ha sido difícil técnicamente? (Marcas, luces, música, efectos, objetos, etc…)

• A: Técnicamente es difícil. El director ha exigido mucho y en ocasiones no estábamos en lo que el nos pedía. Nos era casi imposible. No todos los días uno está para hacer frente a una locura de montaje. Siempre había algo nuevo en escena, con lo cual tenías que estar muy atento. No solo jugábamos nosotros dos la escena, la música era un elemento con el que había que estar alerta continuamente, así como la luz en la última escena.

9. ¿Colaborasteis, los actores, en la re-adaptación del texto original, para crear vuestra propia dramaturgia?

• A:  Colaboramos, siempre se hace. Bien por trabajo de mesa o durante los ensayos, cambiando cosas o adaptándolas a la propuesta.

10. ¿Serías capaz de escoger algún momento favorito de toda la obra? ¿Por qué?

• A: Me quedo con dos: el primero, el principio pelando naranjas, situación absurda donde las haya y sin decir una sola palabra y me guardo especialmente el momento de la bañera, el sitio más cómodo para mí y para mi personaje, pues no lo llega a tocar nadie más, además, estar resguardado por la mesa, el bigote y el gorro ayuda y por su puesto la imagen que te imaginas de ti mismo en esa situación.

11. ¿Hay alguna dificultad que haya sido especialmente difícil de superar durante la creación?

• A:  ¿Dificultad? Los continuos cambios. No es que estuvieran mal, la obra iba ganando. Pero cada día había un cambio respecto al anterior. Algo que añadir. Eso confunde. Pero ya te digo, era como endulzar el dulce.

12. ¿Crees que el trabajo en este montaje te ha preparado definitivamente para probar suerte fuera de la ESAD?

• A: En este montaje sí.

13. ¿Se hace duro saber que este será el último trabajo como alumno de la ESAD que realizarás?

• A:  Para nada. Ya tenía ganas de que llegase.

14. ¿Cómo fue el cásting de actores para esta obra? Si lo hubo.

• A: Oficialmente no hubo. Sólo se que el director pidió un chico pequeño y una mujer grande. Alguien le recomendaría a nosotros. No lo sé.

15. ¿Te quedaste con un buen sabor de boca, al terminar el último pase?

• A:  Sí. Porque disfruté.

16. ¿Fue fácil trabajar con tu compañera?

• A:  No fue difícil. Sólo habíamos trabajado juntos una vez, en el montaje anterior, el de "Yo, ubu". Tampoco fue un gran trabajo entre los dos, pero supongo que el conocernos tanto hacia que hubiera mucha escucha entre los dos. Claro que al ser dos siempre surge algún problema, pero rápidamente se soluciona.

17. ¿Y con el director?

• A:  Al principio fue difícil. Nos exigía muchísimo y nos habían formado de maneras muy diferentes para estudiar en la misma escuela. Pero cuando las cosas fueron saliendo el director-dictador se fue diluyendo y el actor-renegón hizo lo mismo.

18. Por último, ¿Alguna anécdota graciosa durante los ensayos o los pases?

• A:  Por supuesto. El director me mandó imprimir la foto de un boy para una de las escenas. Tenía que llevar un número de teléfono. Pues puse el número de la pareja de Bea. Se diferenciaba sólo en un número. Bea se dio cuenta un mes después, durante un pase y tuvimos que parar porque no parábamos de reír.

Realizado por Rubén Felis

Esperando a Godot en pequeña pantalla.

Comparto una maravillosa versión cinematográfica de "Esperando a Godot" de Samuel Beckett, que podéis disfrutar en su versión original en inglés subtitulada. En un material bastante díficil de encontrar, por eso os dejo aquí el link de la película completa con subtitulos en castellano.

Enlace:

http://livestre.am/3VGaa

La película cuenta con un reparto irlandés que aporta vocalmente un toque muy personal a las interpretaciones de los dos protagonistas, particularmente; y la forma en la que transcurre la acción hace pensar que puede estar ensayado y grabado como si fuera una obra teatral completa.

Esta película pertenece a un proyecto mucho más extenso que se dedica a transportar las obras teatrales de Beckett al cine. Dejamos la página web de este proyecto (aunque parece estar un poco desactualizada):

http://www.beckettonfilm.com/

En esta versión vemos un respeto muy cuidado tanto por el texto original, cómo por la forma de decirlo, ya que requiere una acción rápida y casi caótica que aborde cambios de tema repentinos, con histrionismo en las interpretaciones e incluso con un "decorado" aunque naturalista muy reducido, siguiendo la propuesta escénica de Beckett, y todo esto está muy bien conseguido.

Es una obra muy recomendable, y esta versión, aunque cinematográfica y sin la magia del directo que tiene el teatro, produce el mismo efecto de reflexión sobre lo absurdo de la existencia que Beckett trata de abordar en su texto original.

Por último, debemos recordaros que siguiendo con el ciclo de Teatro Absurdo de los talleres integrados de la ESAD de Valencia, podemos disfrutar esta obra con la propuesta escénica de Pepa Gómez. Y las interpretaciones de Pau Sola como Estragón, Sergio Escolano como Vladimir, Albert Martínez como Pozzo y Telmo Branco como Lucky y el niño.

Terminamos con una cita de Cicerón que acompañan los organizadores de los talleres, para introducir esta obra:

"La amistad impide las debilidades y los desalientos, triunfa sobre la ausencia y la misma muerte. Sin ese afecto, la sociedad no puede mantenerse y el odio y la discordia transtornan a los estados más poderosos."

Realizado por Rubén Felis.

El cepillo de dientes: "La incomunicación en la pareja"

El ciclo de Teatro Absurdo de los talleres intengrados de la ESAD, presenta su primera puesta en escena de la obra "El cepillo de dientes, o náufragos en el parque de atracciones." de Jorge Díaz. Así es como los implicados en el proyecto han resumido el tema de la obra:

"La incomunicación como fuente de comunicación; parábola de que las personas despojadas, las descreídas de sus semejantes, y a las que de nada ya les sirve mirarse la espalda, pueden revivirse a través del otro; y que la pareja puede dar continuidad a una vida sin respuesta, o de como el amor nos puede servir para reencontrar el placer por la supervivencia."

Escribo esto, unas horas después de haberla visto, y creo que cumple perfectamente el tema que se describe, incluso va más allá. Hay que añadir que después de hablar con el director sobre la obra y hacerle unas cuantas preguntas, hemos descubierto que lo que podemos ver en Espacio Inestable es en realidad una dramatúrgia propia con bastantes modificaciones respecto a la obra original, pero sin perder nada de la esencia, en realidad.

Los cambios han sido necesarios puesto que los actores son mucho más jóvenes que en la obra original, y muchas situaciones perdían sentido y credibilidad, aunque al estar en un lenguaje absurdo, no ha tenido demasiada importancia, y se ha podido readaptar con frescura para recuperar el mensaje de esas situaciones y transformarlas en otras con un contenido absurdo que defendían el mismo tema que las originales.

La propuesta escénica es muy particular, con paredes imaginarias para el público, y con una ruptura ocasional de la cuarta pared, incluso con la utilización del metateatro, en el cual se han dirigido directamente a un espectador al azar para hacerlo formar parte de la escena. Tiene una acción muy rápida, y diálogos que cambian de tema rápidamente, incluso para hacer tele-anuncios al público, y dirigirse directamente a él. Todo lo que hemos visto son características del Teatro del Absurdo, lógicamente.

Aunque esta obra en particular, tiene un final impactante que justifica absolutamente todo el contenido absurdo que se ha vivido anteriormente, produciendo así un punto de inflexión esencial en la obra, y ocasionando la catársis en el espectador.

Esencialmente, recomendamos que se vea esta obra tan fresca e hilarante, con sus dos actores jóvenes y brillantes, y con  una puesta en escena de su director Edison Valls con propuestas fantásticas que seguro te robaran más de una sonrisa inocente y alguna que otra carcajada pícara.


Realizado por Rubén Felis.

Fernando Arrabal: "Un poquitín célebre pero no famoso".

Siguiendo con la entrada anterior, hemos querido mantener la visión de lo que piensa la gente de Arrabal, pero ahora vamos a llegar un poco más lejos, haciendo algo más fuera de lo común, y es ver lo que piensa Arrabal de sí mismo. Podemos conseguir ésto gracias las ingeniosas citas célebres que nos ha ido dejando en diferentes entrevistas y grandes acontecimientos de su vida.

Hemos escogido las que consideramos más ingeniosas o personales:

• "El celibato es cada vez menos hereditario"
• El porvenir… ¿ya?
• Soy feo pero Dios me ama"
• "Los fanatismos que más debemos temer son aquellos que pueden confundirse con la tolerancia"
• "Me descubro ante el señor Bertolt Brecht, que puede escribir la vida de Galileo. Yo, cuando escribo, sólo sé hablar de mí mismo"
• "Yo me siento tan joven y tan guapo"
• "Sí, merezco este honor" (al entregarle un premio Max en 2007).
• "Quiero agradecer mi premio a la señora que me ha atendido en los lavabos, a las azafatas, los acomodadores, el cajero que corta la entrada… y a mi mano derecha" (al entregarle un premio Max en 2007).
• "He creado un partido anarquista con un solo miembro, yo, y a veces me expulso" (entrevista "20 minutos").
• "Se piensan que estoy borracho."

Y siguiendo con esta idea de conocer de forma más personal a Arrabal, debido a que mucho parte de su estilo se identifica en su carácter, vamos a compartir una entrevista que realizo el periódico "La vanguardia" este mismo año.

• Se ha dicho que toda su obra está marcada por la ausencia de su padre, condenado a muerte durante los primeros días de la Guerra Civil
• ¿Cómo distinguir, sin traicionarle, su gesta?

• ¿Tiene un nombre esta gesta?
• A veces la nombro "su misión" o "su martirio".

• ¿Y un sentido?
• ¿...La cara o la cruz... lo de arriba o lo de abajo... a derecha o a izquierda?

• ¿Se siente unido a él?
• El camaleón, ¿sólo exhibe su color cuando se junta con otro?

• ¿Pero qué es usted?
• Soy una instalación de mi circunstancia.

• ¿Qué representa...?
• Por desgracia represento... al chivo expiatorio: una gaviota sin submarinos.

• Usted se exilió a París ¿Por qué nunca ha vuelto a vivir a España?
• Con sus virus gigantescos y sus dinosaurios microscópicos los países más maravillosos son exactamente como los demás...

• ¿No le inspiran?
• Por eso no inspiran el retorno ni al estalinista Picasso.

• ¿Cómo ve España desde Francia?
• Como yo lo "arrabalizo" todo (Jodorowsky dixit) termino por pensar que el servilismo voluntario se ha convertido en el síndrome de Estocolmo planetario.

• Conoció a Breton, Warhol y Tzara. Las fiestas debían ser apoteósicas en aquel ambiente…
• Cada uno intentó ser momia en las bodas y arroz en los entierros.

• Crea en 1963, junto a Alejandro Jodorowsky y Roland Topor, el Grupo Pánico
• Sería más sensato elegir a los diputados o a los presidentes por sorteo. Los pánicos, sin embargo, nos cooptamos divinamente.

• ¿Divinamente?
• En el interior de cada una de nuestras bocas había otra boca: la verdad se enfrentaba a la convicción.

• En 1967 llega su encarcelamiento ¿Cómo vivió aquellos momentos?
• Con estupor; yo, encalabozado, mientras los verdaderos... los García y los Vázquez... bebían cerveza, cachondeándose o ligando en las Ramblas...

• Cineasta, jugador de ajedrez, prolífico autor de novelas, teatro, y poesía… ¿Le molesta que aquí algunos sólo le conozcan por su aparición en el programa de Sánchez Dragó?
• Me encanta caminar enmascarado. La fama es el opio de los triunfadores, ¿porque donjuaniza?

• ¿Y en su caso?
• No soy famoso; sino un poquitín célebre y completamente desconocido como mis pajaritas.

• ¿El milenarismo, finalmente, llegó?
• Dios "antropomorfo" ha realizado en lo que va de milenio, con su discreción y omnisciencia habituales, millones de milagros... a la tarántula le bastaron tres gotitas de agua para adornar su tela de araña con brillantes el mismísimo 1 del 1 del 2.000.

• En sus textos aparecen personajes femeninos con nombres derivados de la palabra “luz” (Lys, Lais, Lucasa…) ¿Qué importancia ha tenido para su obra su mujer, Luce Moreau?
• Como tiene alas, cuando la beso, planeo.

• Ella, en una entrevista de 1992, decía que el rasgo más significativo de su trabajo era “la reivindicación de la libertad”. ¿Está de acuerdo?
• Durante mi inolvidable albergue en la cárcel de Carabanchel comprobé que ni siquiera allí había un monumento al "prisionero desconocido".

• En un mundo multimedia, donde todos son estímulos y ruido, ¿el ajedrez tiene más sentido que nunca? ¿Y el teatro?
• Cuando entran en escena hasta en los erizos llueven apocalipsis.

• Jóvenes creadores como el cineasta Joan Frank Charansonnet, el editor Raúl Herrero o el escritor Iván Humanes reivindican su obra ¿Cómo es su relación con los autores de otra generación? ¿Existen las generaciones?
• Los nuevos escritores piden con generosidad que se me conceda no sé qué galardón. Pero, como el frac de la ceremonia es demasiado caro, espero que muera otro premiado de mi estatura.

Esperemos hayáis disfrutado la pequeña profundización en el carácter y forma de ser de este curioso personaje que es Arrabal. Ahora se puede entender el carácter tan personal de sus obras, y en algunos casos el origen de algunos símbolos. Después de esto, ya podéis decidir vosotros mismos. ¿Qué opináis?

¿Genio o chiflado?

Un pequeño homenaje a Fernando Arrabal.

Fernando Arrabal es posiblemente el autor español más universal. Hay quien dice que, por el estilo de su obra, y por su universalidad es un dramaturgo más francés que español. Pero, como hemos estudiado, sabemos que eso es inexacto. Las raíces culturales de Fernando Arrabal, su pasión por España, su antifranquismo que lo llevó a ser procesado en una de sus venidas a España, son netamente españoles; el revuelo internacional que se organizó por la imputación de blasfemia y desacato a Franco fue imponente; y a él se sumaron Camilo José Cela y Vicente Aleixandre.

Fernando Arrabal se marchó de España porque el ambiente cultural y político lo asfixiaba y porque, por entonces, años cincuenta y sesenta, su filiación era la de "rojo hijo de rojo". En realidad, lo que Arrabal ha sido siempre es un anticomunista y un antifranquista, como reacción anarco a sistemas de poder totalitarios. En París, Arrabal se relacionó pronto con el Teatro del Absurdo de Ionesco y Beckett, fundó el Teatro Pánico y con esas buenas compañías llegó a la cumbre del teatro mundial. A pesar de los desafectos nunca renegó de España y siempre se ha sentido deudor del Siglo de Oro, de la picaresca, de Cervantes y del misticismo de Juan de la Cruz y Teresa de Jesús. Su vena místico-religiosa de los últimos tiempos, cuando llegó a afirmar que se le aparecía la Virgen María, complicó una imagen ya de por sí complicada.

Por encima de todo, Fernando Arrabal es el autor de 'Fando y Lis', 'El cementerio de automóviles', 'El Triciclo' y, más recientemente 'Carta a la madre'. O de 'Y pusieron esposas a las flores', libro de cárceles y encierros. El significado universal de Fernando Arrabal, la significación de su obra destacada por Martin Esslin en su libro 'El teatro del absurdo', está por encima de extravagancias y anécdotas circunstanciales. Las corridas de toros son una de sus pasiones y últimamente es seguidor de Morante de la Puebla al que sigue en peregrinación con fervor de aficionado.


Para significar el grado de excelencia alcanzado por Fernando Arrabal reproducimos algunos de los juicios emitidos por grandes de la literatura y el teatro:



Milan Kundera.- ¿Cómo logró usted, oh Arrabal, con unas reglas tan monacalmente sinceras, tan regularmente aplicadas, parecer tan impúdicamente gracioso?. ¿Cómo se las arregló usted para que un personaje tan irreal e imposible, caído de la ruleta de las reglas y de los cálculos, me emocionara hasta el punto de leer sus aventuras tan absolutamente absurdas, sin poder detenerme, de una sentada?.


Ionesco.- Siento un gran afecto por Arrabal y espero poder decir alguna vez por qué me gusta, por qué me encanta su estilo, por qué amo su espíritu barroco, su cultura tan extensa y su persona misma.


Juan Goytisolo.- En un panorama literario tan triste y adocenado como el de la literatura española contemporánea, su frescura, capacidad innovadora y ejemplaridad son únicas. Si no existiese Arrabal, habría que inventarlo.


Milos Forman.- Por lo general odiamos a los demonios. Al menos este es mi caso. Para mi sorpresa hay uno al que una y otra vez invito a que vuelva: Fernando Arrabal. 'Viva la muerte' me obsesiona; Fernando me obsesiona. Y lo amo.


Jorge Lavelli.- Arrabal es un ángel, dentro de la tradición medieval. Tal como en aquellos tiempos se presentaban los ángeles a la memoria colectiva (...) Con el tiempo, la inocencia del ángel se transformó en sabiduría, la luz interior en deslumbramiento, el discurso en verbo y el saber en profecía.



Realizado por Gemma Fuster.

Antonin Artaud y su teatro de la crueldad

Vamos a adentrarnos un poco en la visión peculiar de teatro de Antonin Artaud, y precisamente la visión cruel y pesimista de su teatro es la que lo une al teatro del absurdo que nos interesa.

Su carrera como actor comienza el mismo año que ingresa al movimiento Surrealista, esto es en el año 1920, a la edad de 24 años.

Algunos miembros del grupo, manifestaron su disconformismo con las ideas que imponía Bretón. Artaud fue uno de ellos, él se ubicaba en una posición de pesimismo integral, creía en la absoluta inutilidad de toda acción social; consideraba que el problema debía quedar reducido al hombre en sí.

De ahí que en el año 1927, Bretón castiga y expulsa a Artaud del movimiento, ya que éste no aceptó la idea de caminar junto al comunismo Francés.

La actuación para Artaud, tiene algo de trascendental y sagrado, tal vez, esto es lo que lo llevó a elaborar una teoría sobre el teatro. Su teoría la denominó "teatro de la crueldad", que surge de su intento por captar lo propio y esencial del teatro.

Lo que inspiró a este autor para crear esta teoría donde utiliza un nuevo lenguaje teatral, que ejerció una de las influencias más importantes en área teatral después de la II Guerra Mundial, fue la comprensión imperfecta de ciertas formas de teatro oriental.

Fue co-fundador del teatro de Alfred Jarry en 1927, en donde produjo varias obras. En una de ellas, (The Cenci,1935) hace una ilustración de su concepto de teatro de la crueldad.

Su teoría tiene que ver la idea de que el lenguaje limita al espíritu de sentir sensaciones puras que se encuentran esclavizadas por el principio de realidad. La idea de un teatro en donde se elimina todo lenguaje y en que los actores se expresan mediante movimientos y actos, situados en un escenario casi desnudo, donde la música y las luces son solo accesorios, para provocar en las almas de los espectadores, una especie de exorcismo, donde se le libera de la realidad lógica y moral y poder experimentar sensaciones propias de la naturaleza humana.

Las teorías y trabajos de Artaud, fueron influencia para lo que más tarde se denominó teatro experimental, que incluye lo que se conoce como teatro del absurdo, ritual y el de entorno.

Primera puesta en escena de "Los Cenci" en España (2012).

Artaud fallece en un asilo para enfermos mentales a la edad de 55 años y en singulares condiciones, sentado en la esquina de su cama y en soledad.

El primer manifiesto de El Teatro de la Crueldad se publica el año 1932. Su pensamiento es un reflejo de lo la época que fue testigo.

El teatro debe prestar la ayuda para que las represiones cobren vida, por lo menos para experimentar sensaciones que pertenecen a la 

naturaleza del hombre, y debe hacerlo de una forma cruel, debe ser como un golpe para que el hombre despierte, para que su mirada gire hacia su interior, para que se desprenda de su uniforme y viva, aunque sea un momento, la vida tal como es.

Su narcótico es la palabra, el lenguaje. El teatro entonces, consiste en ser una especie de terapia, para quitar el efecto de esta droga; debe ser la ayuda para liberar al hombre.

El teatro que propone Artaud es sencillo; utiliza sólo lo suficiente como para ayudar al espíritu a conectarse con su yo; la música, los gestos, los ruidos, el fuego, los signos, es su lenguaje. La idea del teatro y su doble es para mi opinión, la convicción de Artaud de que el teatro debe permitir al hombre liberarse del super-yo y quedarse sólo con su consciente.

Las palabras crean pensamientos en el hombre, el teatro Occidental, haría entonces, que el pensar del hombre fuera objetivo, porque precisa pensamientos, lo limita de poder pensar, reflexionar, analizar desde su propio punto de vista.

El teatro Occidental emplea la palabra para representar aspectos de la vida cotidiana, conflictos psicológicos. De esta forma, el teatro no presta ninguna utilidad para resolver estos conflictos, estos aspectos de la vida, solo se vuelve a pensarlos. Los conflictos morales no necesitan de la escena para ser resueltos. La forma de hacer reaccionar el hombre es el lenguaje con carácter cruel; el teatro debe desarrollarse en el peligro.

El teatro debe utilizar la palabra como un medio para perturbar las cosas, para causar conmoción en el ambiente y en la parte del alma humana que es anárquica. Debe hechizar. El teatro oriental cumple con esto, remueve el espíritu en todos sus ámbitos; su técnica puede causar múltiples sensaciones, encanta, perturba, excita al espíritu.

Artaud, cree que la verdadera idea de teatro está extraviada, pues opina que en el teatro de su tiempo, el espectador se ha transformado en voyerista; concurre al teatro a observar escenas íntimas de sujetos desconocidos. Esta situación es el motivo de que la gente busque en el cine, en el circo espectáculos más violentos.

Este dramaturgo, cree necesario una transformación del teatro; éste debe ser fuerte, valiente, que sea capaz de soportar el ambiente de angustia y de catástrofe que se respira; que sea capaz de calar en el pensamiento del hombre de forma profunda, que toque el alma inestable de la época.

El teatro debe ser como una terapia para el hombre y debe renovarse por culpa de la realidad, en el sentido que todo accionar es ya cruel; así entonces, el teatro debe llevar una acción extrema a sus últimos límites.

Al no ser este teatro una copia servil de hechos reales, las personas creerán en ésas sensaciones experimentadas, que se confunden con sueños y al creer en ellos, el teatro permite liberar al hombre, liberarlo en la magia de sus sueños .

Los sueños sólo se podrán reconocer por medio de la crueldad y el temor. Los puntos analizados, reflejan la base de la teoría de Artaud sobre el teatro.



Realizado por Rubén Felis.

La simpleza que guarda un océano de profundidad

Toda la crueldad y la ternura, todo el patetismo y el amor, toda la frustración y la esperanza que caben en un ser humano se agolpan en el peregrinaje de Fando y Lis hacia la tierra prometida, un paraíso imaginado que tal vez no exista. ¿O sí?

Desde que Fernando Arrabal escribiera Fando y Lis en 1955, muchas han sido las representaciones de su obra, uno de sus primeros dramas, dentro y fuera de nuestras fronteras. Sin embargo el montaje, firmado por la compañía Teatro de Cerca, que puede verse en el madrileño Teatro Fernando de Rojas hasta el próximo 21 de mayo, resulta tan excepcional que el propio autor se ha involucrado personalmente en la gestación del proyecto y ha decido a prestar su apoyo al grupo para que exhiba su trabajo en Francia durante el próximo verano.

Sobre el escenario, Fando y Lis, viajan por el desierto para llegar a Tar, un destino desconocido que probablemente no exista. Fando carga con la paralítica Lis a la que une un amor incondicional que sólo se ve empañado por sus continuos brotes de violencia y del arrepentimiento inmediato que los sigue, lo que le hace “bueno” a los ojos de su fiel compañera. “Qué bueno eres”, repite constantemente Lis tras cada imploración de perdón. “Detrás de la sencillez de estas palabras está la vida misma. Es la humanidad que nos deja este texto en pequeñas pildoritas”, revela Laura Barba, la actriz que encarna el papel de Lis.
Más concretamente, en el trabajo hacia el personaje de Lis , su dificultad reside en, aparte del esfuerzo físico que supone dar vida a una persona paralítica, es la "relación de dependencia y violencia que la une y separa de su amado Fando". Pero como en la vida fuera de los escenarios, siempre queda un resquicio de luz más allá de la oscuridad. “La obra nos pone delante de un drama muy grande que queremos afrontar pensando que hay algo positivo. No queremos meternos en el infierno solo para removerlo, sino que el sacrificio que esto conlleva nos conduzca a una transformación. Se trata de dejar una parte de ti detrás para que pueda aparecer algo nuevo”, apunta la protagonista femenina.

Harto de que le tilden de transgresor, el dramaturgo Fernando Arrabal nos recuerda que podemos transformar el mundo con casi nada, sin necesidad de transgredirlo. Quizá, como Fando y Lis, seamos capaces algún día de dejar atrás la crueldad y la violencia de nuestra vida, ofrecerle un bonito entierro y superarla desde un sentimiento de amor puro que nos permita alcanzar nuestro paraíso imaginado, nuestro Tar.


Realizado por Claudia Dasí

Visita al teatro

Más de una vez os hemos comentado en nuestro blog sobre la obra "Esperando a Godot" de Samuel Beckett, pero esta vez, uno de nosotros ha tenido la fantástica oportunidad de poder ver la pasada semana la adaptación de esta obra realizada por Alfredo Sanzol en el teatro Valle-Inclán de Madrid.

Alfredo Sanzol ha realizado una propuesta de lo más innovadora, ha elegido moverse lejos de la trascendencia, por veredas despejadas de filosofía y dolor, en una versión que potencia el humor intrínseco de la pieza quitándole acidez y sarcasmo. Ha querido huir del absurdo paralizador y del terror inmóvil potenciando los ecos que la obra tiene de los Hermanos Marx, de Laurel y Hardy.

La impresionante propuesta escénica de Alejandro Andújar, está matizada con una elegante iluminación a cargo de Pedro Yagüe que ni siquiera pretende reflejar de forma realista el paso de las escasas treinta horas en que trascurre la pieza y sólo el emerger de una enorme luna llena apunta la llegada de la noche.L También los actores están inmejorables. Juan Antonio Lumbreras hace un entrañable Vladimir casi de mimo, recurriendo a la inspiración de Chaplin. Paco Déniz le acompaña como su inseparable Estragón, aún más desvalido si cabe, alguien que no recuerda, que no quiere recordar, lo que hizo ayer, porque es lo mismo que lo de hoy e idéntico a lo de mañana. El estrafalario Pozzo corre a cargo de Pablo Vázquez y el conmovedor Lucky es Juan Antonio Quintana, una excelente metáfora del mundo, mucho mejor que la manipuladora de la lucha de clases o la idealista del amarás a tu prójimo como a ti mismo. El chico de los recados celestiales es Miguel Ángel Amor y por eso sólo dice lo preciso. El elenco y el director están conectados, la obra se sujeta en una red de detalles mínimos que siempre dicen algo.





Ojalá tengamos la posibilidad de poder ver esta adaptación en nuestra ciudad, para poder con mucho más detalle todo aquello que estamos estudiando.




Realizado por Gemma Fuster.

Cuerpos absurdos

Aquí presento un fragmento de la obra Epifanias que me ha parecido curioso por su extracuotidianidad , ya que se trata de una obra del absurdo llevada al terreno de lo corporal

Algo poco desarrollado en este género teatral.

 

Realizado por Claudia Dasí

Harold Pinter: Algo más que absurdo.

Vamos a centrarnos en la vida artística de Pinter, a pesar de que siempre tuvo una gran postura política en sus obras, lo que nos permite ver otro ámbito en el Teatro del absurdo, que estamos redescubriendo como algo más que una simple comedia, con Pinter es una gran crítica a los derechos humanos, camuflada en unas páginas, aparentemente, absurdas. 

Pinter nació en el barrio de clase obrera de Hackney, Londres, en el seno de una familia judía. Durante la Segunda Guerra Mundial, le separaron de sus padres, hecho que le traumatizó de por vida.

Estudió en la Academia Real de Arte Dramático. De joven publicó poesía, y comenzó a trabajar como actor bajo el seudónimo de David Baron.

Su primera obra, La habitación (The Room), fue representada por primera vez en 1957 en la Universidad de Bristol por un grupo de teatro universitario.


Su segunda obra, La fiesta de cumpleaños (The Birthday Party, 1958) fue un fracaso cuando se estrenó, pero con El cuidador (The Caretaker), estrenada en el Arts Theatre de Londres en 1960, Pinter logró establecerse como dramaturgo.

Sus primeros trabajos, entre los que también se encuentran El amante (The Lover, 1962) y The Homecoming (1964), han sido frecuentemente caracterizados como "Teatro del absurdo". En estas obras se parte normalmente de una situación aparentemente inocente, absurda y amenazante debido a la conducta peculiar de algún personaje que resulta incomprensible para el público, y en ocasiones para el resto de los personajes.

Hay que destacar que la obra de Pinter muestra una marcada influencia de los primeros trabajos de Samuel Beckett, con quien mantuvo una larga amistad. 

Pinter empezó a dirigir más frecuentemente en los años 70 y fue nombrado director asociado del Royal National Theatre en 1973. Sus obras tardías tienden a ser más cortas, y los temas más políticos, esforzándose continuamente por atraer la atención pública sobre las violaciones de los derechos humanos y la represión.

En 2005, anunció que se retiraba del teatro para dedicarse a la acción política.

En octubre del 2005, la academia sueca otorgó a Pinter el Premio Nobel de Literatura, con la motivación de: "Quien en sus obras se descubre el precipicio bajo la irrelevancia cotidiana y las fuerzas que entran en confrontación en las habitaciones cerradas".  Murió de cáncer a los 78 años, en diciembre de 2008.

Rescatamos algunas citas importantes e interesantes de este autor:

• "No hay distinción firme entre lo real y lo irreal; ni entre lo verdadero y lo falso. Una cosa no es necesariamente o verdadera o falsa, sino que puede ser ambas: verdadera y falsa."
• "It never happened. Nothing ever happened. Even while it was happening it wasn't 
• Traducción: "Esto nunca ocurrió. Nunca ocurrió nada. No ocurrió ni siquiera mientras estaba ocurriendo."

Realizado por Rubén Felis.

LA PATAPHYSIQUE ET L'ABSURDE

 A continuación presentamos una recopilación de información sobre uno de los autores más conocidos dentro del teatro del absurdo , Alfred Jarry.

Sin embargo,hay que decir que no sólo se quedó catalogado en esta corriente sino que fue más allá creando un nuevo movimiento literario que desembocaría en una nueva forma de ver y afrontar la vida, la Patafísica.





No podía ser de otra manera. Recién llegado a París desde la ciudad (Laval), que le viera nacer el 8 de septiembre 1873, Alfred Jarry, el autor cuya obra habría de ser piedra angular del teatro del absurdo, se convirtió en un habitual de los cenáculos frecuentados por los poetas simbolistas.

Escribe Giulia Veronesi que para Jarry, como para Rémy de Gourmont, el "simbolismo podía ser traducido literalmente con una sola palabra: libertad y, más violentamente, por la palabra anarquía". Tuvo que ser entonces cuando el futuro dramaturgo empezó a darse a las disipaciones que acabaron por llevarle a su trágico final. Con anterioridad, entre borrachera y borrachera, alumbró una suerte de teoría –"imaginaria" decía él– para acabar con la lógica en los escenarios.

La leyenda que rodea su biografía cuenta que Alfred Henri Jarry cursaba aún sus estudios primarios en el liceo de Saint-Brieuc, en su ciudad natal. Apenas cumplidos los trece años, escribe sus primeros dramas en verso y en prosa: 'Les Brigands de la Calabre', 'Roupias Tête-de-Seiche', 'Un cours Bidasse' y alguna que otra de esas creaciones tempranas han llegado hasta nuestros días: en todas ellas ya despunta un autor singular.

La primera versión de " Ubu rey" data de 1888 y se titula 'Les Polonais'. A la sazón, el escritor prosigue sus estudios en el Liceo de Rennes.

Junto a sus compañeros de estudios, " pondrá en marcha las primeras representaciones del ciclo de Ubu. El imaginario soberano de Polonia grotesco, demagogo y cruel, que posteriormente protagonizará el gran díptico con el que Jarry parodiará las miserias de todos los regímenes políticos, en esta primera ocasión es una marioneta.

Más tarde,consigue el aplauso del gran París en 1896 con Ubu rey, comedia satírica en la que se entremezclan referencias a 'Macbeth' con los excesos de un monarca tan tirano con nobles y plebeyos como cobarde en la guerra. En efecto, el personaje sobre el que Jarry ha venido trabajando desde su adolescencia ya está totalmente perfilado: es su vehículo para una encendida sátira sobre los convencionalismos. "Seréis libres de ver en el señor Ubu las múltiples alusiones que queráis, o un simple fantoche, la deformación por un alumno de uno de sus profesores, quien representa para él todo lo grotesco que hay en el mundo", invita el autor en las palabras preliminares al estreno, la noche del 10 de diciembre de 1896.

Contra todo pronóstico, el éxito que conoce 'Ubu rey' en el París del final de la belle époque es tanto que Jarry escribe una segunda parte con el título de 'Ubu encadenado' (1900). La gloria literaria corre pareja a la autodestrucción a la el dramaturgo parece condenado irremediablemente.
En cualquier caso, Alfred Jarry muere alcoholizado en 1907. No llegará a ver la publicación de' Gestas y opiniones del doctor Faustroll, patafísico'. A raíz de su lectura, sus muchos admiradores querrán poner en marcha una ciencia llamada "patafísica", dedicada al estudio de las soluciones imaginarias y las leyes que regulan las excepciones.









Realizado por Claudia Dasí

Leer Para Vivir

En honor al día del libro, hemos realizado un breve comentario sobre uno de las obras más importantes de Samuel Beckett: “Final de la partida”. A pesar de no ser su obra culmen, en ella podemos encontrar muchos aspectos muy interesantes que nos reflejan el más puro estilo del absurdo.

¿Dónde? En un bunker aparentemente post-apocalíptico.

¿Cuándo? No se sabe: en un tiempo sin tiempo, en el final de todo, en el último día de los últimos seres humanos (¿seres humanos?) sobre la faz de la tierra.

¿Quiénes? Cuatro personajes: Hamm, anciano postrado en una silla de ruedas; Clov, su criado, acompañante, esclavo, que amenaza con abandonarlo pero no lo hace; Nagg y Nell, los padres de Hamm, tullidos y confinados en sendos cubos de basura.

¿Y qué? Pues que el mundo se acaba, que estamos al final de todos los finales, y que las personas son lobos para las personas.

Como en Esperando a Godot, la otra obra maestra teatral de Beckett, Fin de partida se construye a través de los silencios, los diálogos que no lo son, los juegos en el límite de lo absurdo, la crueldad entre personajes, los sobrentendidos y los vacíos que el espectador debe intentar llenar. Al igual que en aquella, las posibles significaciones son muchas, porque el autor se cuida mucho de ofrecer respuestas ("¿No estaremos a punto de significar algo?", se pregunta un personaje); y en efecto, todo lo que vemos (ese horizonte vacío, esas relaciones de odio e interdependencia, esas historias que se entre ven, y que quizás se refieran, o quizás no, a los propios personajes) pueden estar hablando del fin de la Humanidad, literalmente; o del fin de su humanidad, después de la 2ª Guerra Mundial y el Holocausto; de un mundo sin dioses ni verdades ni valores. O de otra cosa completamente diferente.

Los diálogos, o monólogos entrelazados, podríamos decir, son brillantes, a veces descorazonadores, otras divertidos, irónicos, crueles. Los personajes repiten una y otra vez las mismas frases, con o sin modificaciones ("Te dejo. Tengo trabajo", "¿Es ya la hora de mi calmante?", "Algo sigue su curso"), cumplen con rituales que parecen tenerlos atrapados (el perro de trapo, el catalejo, las historias repetidas una y otra vez). ¿Es el desenlace final equiparable al portazo de Nora en Casa de muñecas, o una rutina más que se repetirá al día siguiente? ¿Es este un día como cualquier otro, o verdaderamente asistimos al "final de la partida"? Para saberlo, sólo tenéis que leer, os aseguro que pasaréis un agradable rato junto a la literatura de Samuel Beckett.

Realizado por Gemma Fuster

El teatro del absurdo transportado al cine



La Segunda Guerra Mundial y el cada vez más agresivo capitalismo imperante y alienante son los acicates que provocaron que un grupo de autores de mediados del siglo XX, muchos de ellos procedentes del surrealismo y/o vanguardias similares, creasen una nueva forma de hacer teatro, que rompía con los cánones de la época.

Varias décadas más tarde, siguiendo una trayectoria paralela en el cine, notamos un cambio en la forma y fondo de la comedia cinematográfica. Algunas películas de los años 90 en adelante actúan como un reflejo de aquel teatro extravagante, que no pretendía hacer reír,aunque lo aparentemente ridículo de su puesta en escena provocaba, en numerosas ocasiones la risa.

Sin embargo ya pasada la guerra mundial y el boom de las vanguardias, ¿qué causas podrían propiciar que el teatro del absurdo comenzase a tener tanto éxito en el cine?
La respuesta es fácil: el dominio del capitalismo y su carácter arrollador, el crecimiento de la publicidad, el exceso de información que nos dirigen al automatismo, la rebotización del ser humano...
En definitiva, estamos ante una situación social que refleja una de las preocupaciones más reiteradas por los autores del teatro del absurdo: el fracaso de la comunicación entre seres humanos.

Esta nueva ola de películas representan una novedad respecto al cine previo, tanto desde el punto de vista narrativo como técnico.
Para acercarnos un poco más a todo esto , podemos indagar en algunas películas como:


 Lars y una chica de verdad
(Craig Gillespie, 2007),  ( Lars como protagonista)

Punch-Drunk Love
(Paul Thomas Anderson, 2002) (Barry como protagonista)

Los Tenenbaums: una familia de genios(Wes Anderson, 2001), ( Richi Tenenbaum como uno de los protagonista)

Un hombre sin pasado
(Aki Kaurismaki, 2002)( M como protagonista)

 

En el teatro del absurdo, el público se enfrenta con acciones sin motivación aparente. Los personajes mutan, como en las películas aquí seleccionadas y los sucesos que se van dando están fuera de lo racional. Provienen del subconsciente.

Los protagonistas de las películas comentadas anteriormente son personajes que se sienten apartados de la sociedad en que viven. Están solos, sin pareja, y amenudo son considerados unos bichos raros dentro de su propia familia, hecho que se da deforma reiterada por traumas infantiles y/o una educación inadecuada.

Si prestamos atención a la situación laboral de estos protagonistas, es bastante precaria cuando no están en el paro y cercanos a la mendicidad. M convive con los mendigos de los arrabales de la ciudad sin saber quién es, Richi Tenenbaum dejó el tenis prematuramente para navegar sin rumbo en un barco, lejos de la tierra firme; Barry vende chucherías en un pequeño almacén. Lars se pasa horas delante de un ordenador en una pequeña empresa de un pequeño pueblo.

Por último , algo relevante y común en lo que respecta a esta visión y género teatral es la soledad del individuo y su dificultad de comunicarse con los demás así como la ansiedad provocado por la presión de la sociedad . Estos son tres de los temas más recurrentes en el teatro del absurdo que se reflejan en estos films.

Aquí dejo algunos enlaces para indagar más en estas películas comentadas :
http://www.youtube.com/watch?v=K52Ft--OZhk ( Los tenenbaums)

http://www.youtube.com/watch?v=K-EDwJrLxuw ( Lars y una chica de verdad)

http://www.youtube.com/watch?v=K-EDwJrLxuw( Un hombre sin pasado)

http://www.youtube.com/watch?v=N1XOgJFKlpw ( Punch Drunk Love, trailer en inglés)

http://www.youtube.com/watch?v=6UqHU2uXXkk ( Moonrise Kingdom)


Realizado por Claudia Dasí